서양 디자인의 역사

By | January 26, 2014

이 글은 개인적으로 공부하면서 정리한 자료입니다. 참고용으로만 사용하시고, 다른 웹사이트로 복사해가지 마세요.

디자인의 개념을 어떻게 정의하느냐에 따라서 디자인사의 서술 범위가 달라질 수 있습니다. 전통공예까지 범위를 확장한다면 디자인사는 수천 년의 역사가 될 것이고, 현실의 문제를 고민하고 사회를 개선하기 위해 노력을 기울인 시기를 기준으로 삼는다면 1980년대 말이 디자인사의 시작점이 될 것입니다.

문화적 상징의 해석과 창조라는 넓은 의미의 디자인 관점으로 보았을 때, 남부 프랑스의 라스코 동굴 벽화는 인류가 표현한 디자인 중에서 지금까지 남아 있는 가장 오래된 것이라고 할 수 있습니다.

여기서는 산업혁명 이후 디자인을 인식하게 된 과정과 디자인의 발달에 대하여 살펴봅니다.

디자인은 자연을 이용하여 도구의 기능을 발견하고 개발하려는 것에서부터 출발했습니다. 18세기 산업혁명 이후 디자인의 중요성이 부각되고, 디자인 운동이 활발히 전개되었습니다. 대략 생산으로 건축과 공예 디자인뿐만 아니라 산업 디자인의 개념이 성립되었습니다. 사진술과 인쇄술의 발달은 근대 디자인의 발전을 가져왔으며, 광고의 발달로 그래픽 디자인의 기초가 시작되었습니다.

1. 근대 디자인의 역사

런던에서 열린 세계 최초의 박람회장 건물인 수정궁은 주철로 된 구조물의 미학적 가능성을 보여주었습니다. 각국의 기계공업의 성과를 한곳에 모은 것으로 전시품들은 예전처럼 공예가의 수공 기술로 만든 것이 아니라 기계로 제작되어 미적 수준이 낮았으나, 이 박람회는 새로운 기계의 시대가 열렸음을 알리고 디자인에 대한 중요성을 일깨우는데 커다란 공을 세웠습니다. 만국박람회 이후 1860년 뉴욕에는 시민을 위한 대중공원인 센트럴 파크가 만들어졌고, 1889년 프랑스 만국박람회에서는 철골 구조의 에펠탑이 세워지는 등 새로운 형태의 디자인이 이루어 졌습니다.

(1) 예술공예운동 Art and Craft Movement

1980년부터 1900년까지 영국의 윌리엄 모리스 William Morris 에 의해 전개된 공예 개량 운동으로서, 기계 제품생산의 미술적, 성실성 결여를 비판한 존 러스킨 John Ruskin 의 사상에 힘입어 일체의 기계 생산을 부정하고 중세적 수공예의 부활을 주장했던 운동입니다. 미술은 대중을 위한, 대중에 의한, 대중의 미술이 되어야 한다는 ‘미술 민주화 운동’으로 아르누보에 큰 영향을 주었으며 현대 디자인의 이념적 배경이 되었습니다. 질의 중요성을 강조하였으나 수공예품이 가격이 비싸 결과적으로 대중을 위한 것이 되지 못했습니다. 근대적인 생산 방식을 반대하는 시대착오적 모순이 이 운동의 한계라고 할 수 있습니다.

(2) 아르누보 Art Nouveau

‘새로운 미술’이라는 뜻으로 빅토르 오르타 Victor Horta 와 헨리 반데 벨데 Henri Van ed Velde 가 1980년부터 20세기 초에 걸쳐 벨기에와 프랑스를 중심으로 전 유럽에 유행시킨 장식적인 양식입니다. 식물 모양을 모방하였으며 ‘당초양식’, ‘물결양식’, ‘꽃의 양식’, ‘국수양식’ 등으로 불렸고, 식물의 곡선에서 오는 장식미를 특징으로 삼았습니다. 유동적 장식미를 바탕으로 자연의 유기적 형태로부터 모티브를 찾아 이것을 양식화한 곡선적인 비대칭 구성이 특징입니다. 기계 생산에 대한 충분하지 못한 대응과 과잉 장식에서 벗어나지 못해 1900년 프랑스 장식미술 박람회를 전후로 궁극적으로 쇠퇴하게 되었습니다. 각국에서 전개된 아르누보 관련 운동은 다음과 같습니다.

(3) 기능주의

19세기 후반 진보적인 건축가들에 의해 도입되어 근대 건축의 혁신적 발전에 큰 역할을 한 예술 사조를 말합니다. 기능주의는 디자인에 있어 아름다운보다는 기능의 편리함과 만족스러움을 최우선으로 하였습니다. 대표적인 작가로는 오토 와그너, 루이서 설리반등이 있으며 이들의 정신은 20세기 초반 바우하우스를 중심으로 마르셀 브로이어, 마르트 슈탐, 르 꼬르뷔제, 죠셉 알베르스, 미스 반 데어 로에 등의 작가들에 의해 이어졌습니다.

(4) 독일공작연맹 Deutscher WerkBund

1907년 독일에서 산업가, 디자이너, 평론가이자 건축강니 헤르만 뭬지우스 Herman Muthesius 를 중심으로 결성된 디자인 진흥단체로서, 기존의 일품 제작의 수공예 작업에서 벗어나 미술과 기계공업의 결함으로 공업제품의 양질화, 규격화를 하였으며, 객관적이고 합리적인 미술을 주장하였습니다. 무장식성으로 순수하고 단순한 형태와 추상적인 디자인을 주장하였으며, 학교교육에 있어 예술과 공예의 산업의 통합을 실현하고자 한 바우하우스 Bauhaus 이념에 강력한 영향을 주었습니다.

(5) 큐비즘 Cubism

1900년부터 1914년에 설쳐 프랑스 파리에서 일어난 ‘입체주의 미술운동’으로서, 인간과 자연 대상을 기하학으로 해석하여 면과 입체로 재구성하여 표현하였으며 르네상스 이래의 사실주의적인 전통에서 해방시킨 회화 혁명으로 불리고 있습니다. 세잔, 피카소, 브라크, 드랭 등이 주요 작가입니다. 세잔의 자연 해설과 아프리카 원시 조각의 형태감이 동기가 되었으며, 주관적이고 개념적인 측면을 위해 다각원근법이 사용되었습니다.

브라크, 에스타크의 집(1908)

(6) 구성주의 Constructivism

1913부터 1920년에 걸쳐 러시아 혁명기에 일어난‘추상주의 예술 운동’으로서 정서적이고 개인적이며 실용성이 없었던 전통적인 미술을 전면적으로 부인하고 산업주의와 집단주의에 입각하여 현대적이며 기술적인 원리의 예술을 주장하였습니다. 주요 작가로는 타틀린, 가보 말레비치, 로드첸코, 엘리시츠키 등이 있습니다. 기계적이고 기하학적인 형태를 중시하였으며, 역학적인 미를 강조하였습니다. 포스트 모더니즘의 근원이 되었습니다.

(7) 데 스틸 De Still

네덜란드어로 ‘신앙식’이라는 뜻으로 네덜란드의 화가, 조각가, 건축가들이 1917년에 결성한 조형예술운동그룹의 명칭이며, 개인적, 개성적인 표현성을 배제하는 주지주의 추상 미술운동입니다. 영어로는 ‘The Style’이라는 뜻으로 ‘신조형주의’라고도 불립니다. 기하학적인 형태와 삼원색을 기본으로 한 순수한 색채와 순수한 형태미를 추구하였습니다. 간결한 공간분할, 단순성, 규칙성, 구성적, 기능적, 명료성을 구사하였습니다. 몬드라인 신조형주의 이론으로 바우하우스를 중심으로 하는 모더니즘 디자인 운동, 현대 건축, 조각, 회화디자인에 많은 영향을 끼쳤습니다.

(8) 순수주의

1920년 전후에 프랑스 오장팡과 르 코르뷔지에가 입체주의를 계승하여 일어난 조형운동으로서 필요 없는 장식과 과장을 배척하고, 간결하며 정확한 조형미를 주장하였습니다. 형태와 색채를 과학적으로 구성하여 간결한 건축미를 구성하였으며, 현대 건축, 공예, 디자인 등에 많은 영향을 미쳤습니다. 순수주의는 신조형주의나 구성주의 등과 함께 추상예술의 주요한 한 유파를 이루었으나, 절대성과 완벽성을 지향하는 합리적인 엄격성 때문에 회화에서는 별로 새로운 진전을 보지 못하고, 오히려 르 코르뷔제의 건축에서 결실을 보는 데 그쳤습니다.

(9) 바우하우스 Bauhaus

1919년에 독일공작연맹의 멤버로 활동했던 월터 그로피우스를 중심으로 독일의 바이마르에 설립된 국립 디자인 대학입니다. 독일공작연맹의 이념을 계승하여 예술적 창작과 공학적 기술의 통합을 목표로 삼은 새로운 교육기관으로서 현대 건축, 회화, 조각, 디자인 운동에 결정적인 영향을 주었습니다.

바우하우스의 변천

독일공작연맹의 이념을 바탕으로 예술창작과 기계적인 통합을 목표로 하여 건축을 주축으로 기능적이고 합목적적인 새로운 미를 추구하였습니다. 디자인을 통해 세계의 모든 사물과 환경의 질을 새롭게 변화시키고, 기계에 의한 인간의 노예화를 방지하며, 우수한 표준 창조를 이념으로 하는 이상주의적이며 급진적인 이념을 추구하였습니다. 재료에 대한 인식의 바탕 위에 디자인 원리를 개발하고, 조형훈련과 공업적 기술을 연마하는 등 엄격한 조형법칙 속에서 가장 경제적인 디자인을 추구하였습니다. 디자인 교육의 본질적인 특징을 제품의 균질성에 두었으며 사물을 간결하고 충실하게 본질적인 특성에 따라 디자인하려 했습니다.

월터 그로피우스의 바우하우스

바우하우스가 실현하고자 했던 디자인 이념은 이상주의적인 디자인 이념이었습니다. 이것은 오늘날 디자인 교육이 절실한 현대 생활의 문제에 대응할 수 있는 이론과 교육, 그리고 실천이 함께 이루어져야 한다는 조형이념입니다. 즉 무한한 창조의 자유가 아닌 엄격한 조형적 법칙의 제한 속에서 가장 경제적인 디자인을 찾으려는 것입니다. 디자인 교육에서 모더니즘적인 방법이 발전하였고 순수 미술과 응용 미술을 통합한 실용적인 생활 미술로서 디자인의 독자적 범주를 확립하였습니다.

(10) 아르데코 Art Deco

1925년 파리 장식미술 박람회에서 나온 명칭으로 아르누보에 이어 1920년대와 1930년대에 유럽과 미국에서 크게 유행했던 ‘장식미술’의 양식을 의미합니다. ‘재즈 양식’, ‘헐리우드 양식’으로 불리기도 합니다. 대칭, 직선, 동심원 기하학적인 형태와 반복 패턴을 선호하여 모더니즘과 장식을 결합하였습니다. 낙관적이고 향락적인 분위기가 잘 드러납니다. 아르데코 장식은 표면적이며, 개인적이어서 일반화되기 어려우며 대량생산에 대한 합리적, 기능적 장식보다는 수공예 중심의 일품 제작의 전통에서 벗어나지 못했습니다.

(11) 모더니즘 Modernism

1920년대부터 19세기 사실주의에 대한 반발로 일어난 전위적이고 실험적인 여러 가지 예술적 경향을 말합니다. 모던이라는 뜻에서처럼 근대적이고 현대적인 표현 양식을 추구하는 예술과 사상으로서, 입체주의, 초현실주의, 상징주의, 다다이즘, 미래주의 등을 총칭합니다. 모더니즘 운동은 기계를 이용하여 낙원을 건설하고자 하였으나 기계로 인한 파괴성, 비인간적 환경 등에는 대비하지 못했습니다. 독일과 프랑스에서는 모더니즘의 한계를 넘어 다다이즘, 미래주의 초현실주의 등 급진적인 예술 운동을 총칭하는 전위예술(아방가르드) 운동이 촉발되었습니다.

2. 현대 디자인의 역사

1920년대 모더니즘의 한계를 자각하고 이를 뛰어 넘기 위한 예술 운동의 시작을 현대 디자인의 시점으로 봅니다. 디자인이라는 용어가 구체화되기 시작하였으며, 디자인 분야가 더욱 구체화되고 다양해졌습니다.

(1) 초현실주의 Surrealism

1924년부터 다다이즘의 사상을 이어받아 일어난 운동으로 무의식의 발현을 목표로 하는 운동입니다. 슈레알레즘이라고도 하며 시인인 앙드레 브르통 Andre Breton 이 주창하였습니다. 과학적인 견해에 갇혀있던 인간의 상상력을 해방시키고 잠재의식에 의한 세계를 표현하고자 했습니다. 초현실주의자들은 손이 가는대로 그림을 그려내는 자동주의 automatism 기법, 프로타주 frottage 와 데칼코마니 decalcomania, 콜라주 collage 등 자유로운 기법을 이용하여 이성의 제약을 받지 않은 상태에서 작품을 만들었습니다. 대표적인 초현실주의자로는 막스 에른스트 Max Ernst, 호망 미로 Joan Miro, 살바도르 달리 Salvador Dali, 르네 마그리트 Rene Magritte 와 다다이즘의 선구자였다가 초현실주의에 협력한 마르셀 뒤샹 Marcel Duchamp 등이 있습니다.

살바도르 달리, 기억의 고집(1931)

(2) 추상표현주의 Abstract Expressionism

1950년대 미국을 중심으로 일어난 국제적 회화 양식으로 큐비즘과 초현실주의의 영향을 받아 생겨나게 되었습니다. 지적인 질서와 내면의 철학적 성찰을 나타내는 지적인 미술 운동입니다. 추상표현주의 작가들은 선, 형, 색채 등을 이용하여 느낌을 자유롭게 표현하였습니다. 추상표현주의는 뜨거운 추상과 차가운 추상으로 구분됩니다. 뜨거운 추상은 자발적이고 즉흥적인 추상으로, 그리는 행위로 작품을 표현하는 ‘액션 페인팅’ 기법을 이용합니다. 개표적인 작가로는 잭슨 폴락 Jackson Pollock, 윌렘 드 쿠닝 Willem de Kooning 등이 있습니다.

잭슨 폴락의 액션 페인팅

차가운 추상은 주로 색이 채워진 면을 이용하는 추상으로 색면 추상이라고도 합니다. 차가운 추상은 면의 분할, 선, 색의 조화를 이용하였으며, 뜨거운 차상에 비해 절제된 형태로 나타납니다. 대표적인 작가로는 마크 로스코 Mark Rothko 와 바넷 뉴먼 Barnett Newman 등이 있습니다.

마크 로스코, 붉은 띠(1955)

(3) 포스트모더니즘 Postmodernism

모더니즘에 대한 반동으로 1960년 경 모더니즘이 해결하지 못한 인간의 감정과 개별성을 회복시키려는 노력에서 일어났습니다. 그 중심적 동기는 모더니즘을 통해 수립된 고급문화와 저급문화와의 엄격한 구분, 예술의 각 장르간 패쇄성에 대한 반발로 시작되어 다른 시대, 다른 문화로부터 양식과 이미지를 차용하거나 혼합, 접목시키는 방식으로 아카데믹한 고급문화와 대중적 저급문화와의 경계를 제거하여 대중들이 보다 쉽게 이해 할 수 있는 형태를 제시하고자 하는 운동입니다. 미의 표현은 의미의 다양성, 상징성, 역사성, 지역적 맥락성, 복합성, 장식성 등으로 나타납니다.

포스트모더니즘의 또 다른 특징은 모더니즘적 문화와 사고방식이 세워놓은 엄격한 지배의 틀을 거부하는데 있습니다. 후기 산업사회가 가져온 고도의 전문화된 문화 영역간의 소통 불능상태를 타파하고 삶과 문화의 경계를 없애려고 합니다. 이질적인 것들의 결합, 흑백논리 같은 이분법의 해체, 이데올로기의 대립과 갈등 해소 등이 그것입니다.

포스트모더니즘은 소련의 공산주의 체제가 무너지면서 더욱 가속화 되고 양식화 되고 있습니다. 현대회화를 보면 여러 양식과 이미지가 혼합되고 오브제나 부조가 접목되는 현상이 나타나고 있으며 조소나 공예부문에 있어서도 다른 장르의 양식이 함께 차용되어 어우러지고 있습니다. 건축에서도 60년대까지 엄격한 직선과 사각형의 고착된 형태가 국제적 양식으로 유행하였으나 포스트모더니즘의 영향으로 삼각형과 원의 형태가 도입된다든가 중세 건축양식이 혼합되어 새로운 모습의 건축물이 세워지고 있습니다.

그러나 포스트모더니즘은 철저한 합리주의적 사고가 다민족의 공생을 지탱해 주는 미국사회의 현실을 대변해 주기도 하지만 단절과 갈등, 이데올로기의 장벽을 허물어 조금 더 신선한 소통과 문화적 충격을 줄이고자 하는 시대적 요구요 현상이기도 합니다.

포스트모더니즘은 다음과 같은 여섯 개의 원칙을 이념으로 내세웁니다.

  • 대중주의 : 대중들이 쉽게 이해할 수 있어야 한다.
  • 참여주의 : 도시의 재개발등을 통하여 주민의 참여가 요구된다.
  • 지역주의 : 지역의 토착성에 따라 과거의 이미지, 상징성 등이 포함되어야 한다.
  • 역사주의 : 과거 전통적 요소의 도입으로 과거의 연상을 통한 친밀감을 갖도록 한다.
  • 맥락주의 : 획기적 새로운 형태가 아닌 주변의 건축 디자인 요소에서 참조하여 주변과의 연성이 이루어져야 한다.
  • 신합리주의 : 지역적이고 토착적인 역사의 유형 속에서 형태가 연속성의 기본 원칙으로 구성되어져야 한다.

포스트모더니즘의 대표적인 작가로는 다다이스트인 마르셀 뒤샹, 요셉 보이스 Joshep Beuys 등이 있습니다.

프랭크 게리, Dancing Tower : 현대적 포스트모더니즘 경향이 보입니다.

(4) 팝 아트 Pop Art

1950년대 추상표현주의에 대항하여 영국에서 시작된 구상회회의 경향으로, 1960년대에 미국 뉴욕을 중심으로 활발히 전개되었습니다. 팝 아트 작가들은 연재 만화나 비누캔, 콜라병 등 일상에서 흔히 볼 수 있는 소재들을 이용하여 작품을 제작하였습니다. 최초의 팝 아트 작품은 리처드 해밀턴 Richard Hamilton 이 출품한 ‘오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?’입니다.

리처드 해밀턴의 작품

팝 아트에서는 같은 대상을 여러 번 찍어 여러 색상으로 보이게 하는 기법이 많이 나타났고, 매스미디어의 기법과 대중 문화를 회화의 소재와 정보로 활용하였습니다. 관련된 작가로는 로버트 라우션버그 Robert Rauschenberg, 재스퍼 존스 Jasper Johns, 로이 리히텐슈타인 Roy Richtenstein 과 앤디 워홀 Andy Warhol 등이 있습니다.

앤디 워홀의 작품

(5) 옵 아트 Optical Art

상업적인 팝 아트에 맞서 생겨난 것으로, 색채의 장력 張力 이나 배치, 기하학 형태의 조직적인 배열로써 다이나믹한 시각 효과를 나타내는 예술입니다. 옵아트에서는 평면 상에서도 움직임이나 입체적인 착시 효과가 나타납니다. 이렇게 작품 자체가 움직이거나 또는 움직이는 부분이 조립된 조각형태의 예술 형식을 키네틱 아트 Kinetic Art 라고 합니다. 대표적인 작가로는 빅토르 바자렐리 Victor Vasarely 가 있습니다.

(6) 미니멀 아트 Minimal Art

1960년대 후반부터 미국에서 전개되었으며, ABC 아트 또는 환원적 예술이라고도 부릅니다. 작가는 자기 표현을 최소화하였고 엄격하면서도 소극적인 화면으로 구성하였습니다. 최소한의 예술 경향은 미니멀리즘 또는 최소한 주의라고도 합니다. 대표적인 작가로는 도날드 저드 Donald Judd, 댄 플레빈 Dan Flavin, 로버트 모리스 Robert Morris, 솔 르윗 Sol LeWitt 등이 있습니다.

로버트 모리스, 무제

3. 유럽의 현대 디자인

유럽의 1920~1930년대 디자인은 커뮤니케이션 중심의 광고 디자인을 위한 사전 사용과 높은 가독성으로 유럽 전역에서 공공 신호체계용 타이포그래피가 사용되었습니다. 1950년대에 전 세계적으로 널리 사용된 대표적인 서체는 유니버스체와 헬베티카체입니다. 20세기 전후에 국제적인 규모로 디자인계를 지배한 프랑스, 영국, 독일을 대신하여 이탈리아, 미국, 스칸디나비아 등이 부상하게 됩니다.

(1) 영국의 산업박람회

1851년 런던에서 개최한 문각박람회는 약 40개국에 15000여 점의 제품을 출품하였습니다. 그 중 조셉 팩스톤으로 하여금 전시장에 수정궁 Crystal Palace 을 세우게 하였는데, 30만 개의 판유리와 철골로 조립식 공법에 의해 설계되었습니다.

수정궁의 모습
수정궁의 조경도

(2) 프랑스의 만국박람회

1889년 파리 기계 박람회장에는 에펠에 의해 설계된 강철제를 사용한 다리구조의 철탑인 에펠탑이 세워졌습니다. 1944년 영국에서는 세계적인 디자인 정책기구로 모든 산업문야에 최고수준의 디자인을 요구 수용함으로써 질적 수준을 높이는 것을 목적으로 한 ‘공업 디자인 협의회 COLD’가 설립되었습니다.

(3) 이탈리아의 디자인

이탈리아 디자인의 특징은 참신한 근대성에 있으며 이탈리아의 디자이너들은 새로운 디자인 방향성을 모색하면서 기업과 디자인을 결부시키려 하였습니다. 이탈리아인의 새로운 미의식을 발표하는 기회로 트리엔나레 Triennial 를 개최하였으며 1960년대 이후 급진적 디자인, 반 디자인 Anti-Design, 반문화 디자인 등의 새로운 디자인 운동을 전개하였습니다.

(4) 스칸디나비아의 디자인

핀란드, 스웨덴, 덴마크, 노르웨이를 포함한 스칸디나비아의 디자인은 겨울이 길고 추운 풍토적, 문화적으로 독일 문화권으로 가구와 식기, 조명 기구, 사무용 기구 등 실내를 위한 뛰어난 공예품과 실내생활과 관련된 디자인이 발달하였습니다. 극단적인 모더니즘에 치우치지 않고 인간미가 풍부하고 표현력이 풍부한 색채와 유기적인 형태를 가미한 현대디자인의 방향은 성능을 강조하는 과학적 방향보다 인간의 감각과의 관계를 더 중요시하는 예술적 방향을 가지고 있습니다.

(5) 독일의 디자인

독일의 문화적 전통은 크리스트와 고대문화의 직접적인 계승자인 라틴적 문화세계에 대한 양면 가치성의 의식 위에, 이상주의적인 보편적 문화 의식과 민족주의적인 게르만 정신과의 모순된 결합을 이루어왔다는 데에 그 특징이 있습니다. 이와 같은 경향은 일반적으로 독일 문화의 관념성과 내면성을 바탕으로 이념적, 사상적, 철학적 경향과 함께 일상생활에서 게르만 민족의 합리성을 들 수 있습니다. 합리성에 바탕을 둔 현대 독일 디자인은 독일공작연맹, 바우하우스의 이념, 1950년대의 울름 ULM 의 조형학교의 전통을 계승한 것이라고 할 수 있습니다. 1960년대의 산업성장과 분야의 세분화가 불러온 전문화와 노동 분업은 디자인을 산업사회에 있어 하나의 명료한 분야로 확립시켰으며 독일 디자인의 특성과 경쟁력을 국내의 시장에서 강화시킴으로써 그 힘을 점차 확대시켜 나갔습니다.

4. 미국의 현대 디자인

미국에서는 19세기 후반 공업기술이 비약적으로 발전하면서 생활의 실제적인 요구에 부응하여 기능적인 제품을 쉽게 생산해내는 것을 목표로 디자인이 발전했습니다. 즉 19세기 미국의 디자인사 경향은 실용주의와 기능주의입니다. 이것은 무엇인가 편리한 것이 발명되면 그것에 수반하여 또 다른 것이 창조되는 것입니다. 미국의 현대문명이 발전하게 된 것은 새로운 소재를 개발한 것인데 아세테이트나 착색이 자유로운 유리질수지, 폴리비닐 아세틸 등이 그것입니다. 플라스틱 공업은 1929년 세계 경제 대공황을 이겨내고 또한 바우하우스 조형 이념의 의식과 더불어 미국 공업디자인이 발전하는 계기가 되었습니다.

△ 팰리스 시리즈 : 미국의 디자인은 아메리칸 스타일이라는 이름으로 세계에 영향을 미쳤습니다. (사진출처 : 네이버 카페)

세계 2차 대전을 전후하여 바우하우스에서 활약한 많은 지도적 인물들이 나치의 박해를 피해 미국으로 이주하면서 바우하우스의 이념이 미국에서 새롭게 탄생하게 되었습니다. 이때 미국으로 이주한 그로피우스는 근대 국제 건축가 회의 CIAM 를 결성하여 현대 건축이나 도시계획의 발전을 가져왔습니다. 또한 1920년대 미국의 대공황은 소비를 급격히 하락시켰고 판매의 수단이 되는 디자인의 필요성이 대두되는 계기가 되었습니다.

루이스 설리반은 ‘형태는 기능을 따른다’라는 명제로 ‘기능은 형태를 창조하거나 체계화한다’라고 하여 미국적 생산 양식인 컨베이어 시스템 등의 자동적인 연속 생산방식을 개발하여 세계 최초의 대중 소비시대로 도립하게 했습니다.

거의 기술자 손에 맡겨져 왔던 공업제품에 대해 새로운 색채나 형태, 기능과 쓰임새와 같은 인간적인 요소를 중시하는 경향이 나타났으며 공업제품의 재료, 구조, 가공, 기능, 경제성, 심미성 등의 시장성을 감안하면서 그 조건들을 통합, 조정하여 상품에 반영, 조형하는 산업디자인의 개념이 1919년 미국 산업디자인의 선구자인 노만 벨 게디스에 의하여 처음으로 확립되었습니다.

미국의 디자인은 세계적으로 제품, 생활양식에까지도 영향을 주었는데 이를 아메리칸 스타일이라고 합니다. 1950년 자본주의 사회의 생산방식은 대중소비문화를 이끌어내었고 소비자 중심의 판매 방법의 디자인 기획 사고방식이 세계적으로 영향을 주게 되었습니다.

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